Por Héctor Armando Herrera*
Es innegable como todos los adeptos al arte, sin importar la manera de expresión de la misma, tengamos en nuestras preferencias alguna vertiente propia del cine. El llamado séptimo arte es tan vasto y se ha desarrollado de tal manera desde 1895, que la gran variedad de géneros y estilos tan diversos desarrollados vuelven imposible no ser personalmente absorbidos por al menos uno en particular. Hoy su evolución al formato digital facilita el acceso a casi cualquier producción hecha anteriormente y, de esa manera, a través de una entusiasta exploración, enriquecemos nuestros conocimientos, alimentamos y educamos nuestra sensibilidad artística al presenciar en “la pantalla grande” esa combinación de imágenes y sonidos que llegan expresarse tan intensamente como una bella composición, una pintura o un memorable poema. Esta es una breve semblanza desde su nacimiento hasta su actual existencia. Relájense y disfruten.
En París, durante 1982, los hermanos Auguste Marie Louis Nicolas y Louis Jean Lumiere, trabajaban en un taller fotográfico propiedad de su padre. Sus experimentaciones con fotografía en movimiento mostraron significativos avances e, inspirados en un proyecto de Thomas Alva Edison para capturar imágenes en movimiento llamado Kinetoscopio, construyeron un aparato que servía como cámara y a la vez proyectaba el producto final. Bautizado con el nombre de cinematógrafo, el invento fue patentado en 1894. Un año después, en la misma ciudad de Paris, se estrenó el primer corto: La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir). Según los hermanos, el invento no pasaría más allá de ser una buena idea de negocio rápido y fugaz entretenimiento. Razón por la cual a los pocos años abandonaron su proyecto.
Esta minimización del potencial cinematográfico pronto sería desmentido por el Ilusionista y director francés George Melies cuando produjo “El viaje a la luna” en 1902. El cortometraje de catorce minutos de duración hacía gala por primera vez de ingeniosos efectos especiales y el resultado ayudó a captar el amplio espectro de posibilidades que ofrecía este invento, dando paso al formal surgimiento de la industria cinematográfica a principios del siglo XX. El desarrollo del nuevo arte se vería exponencialmente desarrollado en propuesta y experimentación en los años venideros. Las producciones de este, aún cine mudo, normalmente se hacían acompañar de un piano, órgano o grupo musical en vivo. El diálogo era representado por intertítulos para aclarar las situaciones mostradas en cada escena. En Estados Unidos, Thomas Alva Edison intentó apropiarse legalmente de la nueva industria. Situación la cual los productores independientes evadieron huyendo hacia el oeste de Estados Unidos y situarse cerca de la frontera con México en una ciudad llamada Hollywood, dando nacimiento a la meca del cine.
Las experimentaciones para integrar sonido en el celuloide habían sido numerosas desde sus inicios y varias técnicas fueron utilizadas antes de llegar a un resultado definitivo. Los estudios Warner apostarían por el “Vitaphone”, técnica donde el audio de los filmes era grabado en discos sincronizados. Un ejemplo de este nuevo cine sonoro fue “El cantante de Jazz” de 1927, Producción con la cual una nueva etapa se vislumbraba a través de esta transformación. El silencio había terminado, la tecnología seguía manifestándose y la expresión y técnica cinematográfica estaba por cambiar radicalmente para ventaja o perjuicio de los antiguos creadores que habían forjado los cimientos del séptimo arte. S. Esenstein, G. Alexandrov y V. Pudovkin, iconos del cine soviético, manifestaron su desaprobación a través de su “Manifiesto del contrapunto sonoro”. Pero el nuevo camino exigía el cambio y la renovación. La producción de 2011 ganadora de 5 premios Oscar, “El Artista”, es un excelente ejemplo de este histórico suceso.
Con su consecuente industrialización la diversificación de géneros y estilos fílmicos no tardó en proliferar. Películas de bajo presupuesto abrieron paso a la “serie B” que hoy es considerada una especie de culto en su categoría. Según el lugar de nacimiento de cada filme se podían encontrar desde producciones puramente artísticas hasta propagandas pro-guerra o pro-religión. Hollywood no tardaría en experimentar una crisis después de la segunda guerra mundial por varias razones. Entre ellas uno de los inventos más significativos de la cultura moderna llamado televisión. Como respuesta a esta nueva competencia, la espectacularidad de las películas dio lugar al género épico de grandes producciones y otro importante fenómeno se daría en esta evolución. El color.
A partir de 1960 el cine tomaba una forma comercial más parecida al modelo actual. Directores como Woody Allen, Francis Ford Coppola y Martin Scorsese hicieron su aparición durante la década del 70 y el “Blockbuster”, que es como se denota a una producción cuando es exitosa en ventas y aceptación popular, terminaría por ser protagonista y razón del cine comercial desde principios de los 80 hasta la actualidad. No sin demeritar el “Cine de autor” o “Cine de arte” los cuales muestran una 
propuesta más artística alejada de los convencionalismos Hollywoodenses (Las producciones europeas son buen ejemplo) y aún gozan de moderada pero significativa aceptación.
La digitalización del cine gracias a la Internet entraría formalmente a partir del año 2000 y esto facilito la producción y distribución de la gran variedad de antiguas y nuevas propuestas. Hoy, más que nunca, estamos cerca de las películas y el cine independiente o de bajo presupuesto vive un periodo glorioso. El séptimo arte sigue su evolución, revolución y nosotros, al final, el público, somos los verdaderos protagonistas y directores de esta aventura. Que se divierta.
*Lic. en Psicología, músico y locutor.
